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Apr 12, 2024

Los Grammy

Kenny Leon Foto: Walter McBride/Getty Images noticias Ahora que "Hamilton" ha mostrado el camino, ¿el musical de hip-hop "Holler If Ya Hear Me" de Tupac Shakur encontrará la recepción que se merece? Algunos "California

Kenny León

Foto: Walter McBride/Getty Images

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Ahora que "Hamilton" ha mostrado el camino, ¿el musical de hip-hop "Holler If Ya Hear Me" de Tupac Shakur encontrará la recepción que se merece?

Algo de "California Love" se estrenará en Atlanta el12 de septiembrecomo director ganador del premio TonyKenny Leónretoma su producción de 2014 deTupac Shakur's "Grita si me oyes".

Aunque el musical de hip-hop inicialmente tuvo solo una breve presentación en Broadway, muchos esperanLin-Manuel MirandaEl impacto ganador del GRAMMY con "Hamilton" ha abierto la mente generalizada a apreciar el hip-hop en un escenario de Broadway.

Tupac es considerado una de las grandes inspiraciones de la cultura estadounidense, pero fue ganador del GRAMMYHarry Belafonte a quien León atribuye el regreso del musical con un libreto actualizado. Toda la perspectiva del director cambió después de Belafonte.dicho"Usted exhibe una forma de afrocentrismo en una plataforma eurocéntrica. Eso en sí mismo es un éxito".

Mientras Leon's True Colors Theatre Company repite esta compilación creativa de las palabras, la música y las ideas de Tupac, todos podríamos beneficiarnos al tomar el espíritu de "I Ain't Mad At Cha" y aplicar el legado de Tupac a los apasionantes desafíos de hoy.

Flashback: Tupac presenta Kiss en la 38ª entrega de los premios GRAMMY

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En los años 90, el hip-hop abandonó oficialmente el underground para disfrutar de una fanfarria comercial total. Durante la época dorada del hip-hop, los raperos eran multifacéticos en su flujo y letras, creando música que ahora es legendaria.

Hace tres décadas, el hip-hop pasó del underground a la fanfarria comercial. La sensibilidad ecléctica de la década de 1980 creó espacio para artistas de todo tipo, lo que condujo a la época dorada del hip-hop y a lanzamientos que ahora se consideran una parte integral del canon del género. En la década de 1990, el hip-hop era una entidad y una empresa que encabezaba las listas de éxitos, donde los artistas se popularizaban a través de campañas de ropa urbana y acuerdos de marca.

En esta década, los raperos eran multifacéticos en su fluidez y letras, ya fueran duras y duras, o poéticas y fervientemente expresivas. Artistas como el grupo de hip-hop psicodélico De La Soul, la mujer lasciva Lil' Kim y los grandes bateadores de Atlanta Outkast ampliaron la paleta del rap. Los ritmos variaban desde patrones de batería sintéticos hasta pesados ​​808, todos los cuales redefinieron los 20 años de presencia del género.

El hip-hop narraba la verdad y la fantasía, brindando a los oyentes una banda sonora profundamente resonante y vívidamente divergente cuya influencia aún se siente. Décadas más tarde, los discos lanzados en la década de 1990 son leyenda, y muchos de ellos aparecieron en el escenario de la 65ª edición de los Premios GRAMMY en un tributo masivo al hip-hop. Aquí hay 10 álbumes exclusivos que unieron la edad de oro y la era digital del hip-hop.

En 1991, los pioneros conscientes del hip-hop, De La Soul, habían superado la "DAISY Age" introducida en su álbum debut seminal 3 Feet High and Rising. El trío de Long Island, compuesto por Posdnuos, Maseo y el fallecido Trugoy the Dove, realzó su sonido en su segundo esfuerzo, De La Soul Is Dead, marcando una transición radical de los "hippies" del hip-hop a los rimadores serios.

Posdnous y Trugoy fusionaron una producción simple (cortesía del Príncipe Paul) con compases complejos en "Pease Porridge", y también exploraron los traumas del abuso sexual a través de metáforas en "Millie Pulled a Pistol on Santa". Aunque De La Soul Is Dead recibió críticas mixtas, el LP fue uno de los primeros álbumes en obtener una calificación de cinco micrófonos en la publicación de hip-hop The Source. "Aún progresando y orgulloso de ello, De La ha logrado escapar de quedar atrapado en el maleficio del segundo año con surcos que son más duros que una pared de ladrillos", se lee en la reseña retrospectiva.

Con De La Soul Is Dead, el grupo, cuyo catálogo recién llegó a los servicios de música digital en marzo, evadió la temida crisis del segundo año y consolidó su lugar en la historia del hip-hop.

Después de que Calvin Broadus, que entonces actuaba bajo el sobrenombre de Snoop Doggy Dogg, lanzara su exitoso álbum Doggystyle, el rap de la costa oeste nunca volvió a ser el mismo. Inspirándose en las películas clásicas de Blaxploitation y los primeros pioneros del funk, Snoop mantuvo su postura suave mientras rimaba con ritmos de Dr. Dre (quien también descubrió al nativo de Long Beach), y dio la bienvenida a otros entonces recién llegados como The Lady of Rage, Tha Dogg Pound. , Warren G y RBX como características.

Ofreciendo a los oyentes "sólo una pequeña introducción a la era G-Funk", Snoop ayudó a introducir un sonido gangsta rap cargado de soul que contrastaba claramente con la dureza y la influencia del jazz de la Costa Este. Los icónicos "Gin and Juice" y "Who Am I (What's My Name?)" han sido durante mucho tiempo elementos básicos de las comidas al aire libre de verano, mientras que el inquietante "Murder Was the Case" precedió a la absolución de Snoop de asesinato apenas tres años después. Doggystyle, ahora nominado en 16 ocasiones al GRAMMY, marcó el debut de Snoop como una élite del hip-hop.

Tres álbumes en su carrera, A Tribe Called Quest no dieron tregua a Midnight Marauders. El grupo formado en Queens, que incluía a Q-Tip, el fallecido Phife Dawg, Ali Shaheed Muhammad (y el miembro ocasional Jarobi White) hizo alarde de su lirismo y amplio conocimiento musical en el lanzamiento de 1993, que fue guiado por un "guía turístico" robótico.

El juego de palabras de Q-Tip y Phife es ágil a lo largo del álbum, pero realmente se destaca en el "Award Tour", asistido por Trugoy the Dove, el amoroso "Electric Relaxation" y "The Chase, Pt. II". "8 Million Stories" y "Midnight" fueron momentos en solitario para Phife Dawg y Q-Tip, respectivamente, cada uno de los cuales había mejorado su caligrafía desde la reinvención de ATCQ en 1991 en The Low End Theory. A la vez atmosférico e imaginativo, Midnight Marauders mostró el rango de ATCQ como un acto de hip-hop progresivo.

El trío de jazz rap Digable Planets mantuvo la calma apenas un año después de ganar un premio GRAMMY a la mejor interpretación de rap de un dúo o grupo. En 1994, Ishmael "Butter Fly" Butler, Mariana "Ladybug Mecca" Vieira y Craig "Doodlebug" Irving siguieron con Blowout Comb, su segundo y último álbum de estudio. Con un enfoque minimalista, Digable Planets recorrió temas urbanos y afrocéntricos con bandas sonoras de instrumentación en vivo y palabra hablada.

Emocionalmente conmovedor y temático, "Black Ego" vio a Digable Planets abordar las injusticias económicas y el nacionalismo negro con guiños a las películas de Blaxploitation Cleopatra Jones y Superfly. El grupo afirmó su negativa a hacer publicidad del relajado "Jettin". La jerga de los setenta y las referencias a los distritos de la ciudad de Nueva York flotaban en Blowout Comb, y aunque los sencillos "9th Wonder (Blackitolism)" y "Dial 7 (Axioms of Creamy Spies)" no llegaron a las listas, el álbum reintrodujo Digable Planets en su forma más auténtica. y alcanzó el puesto 32 en el Billboard 200.

Con una conciencia inigualable por sus contemporáneos, el penúltimo álbum de Tupac Shakur, Me Against the World, exploró sus complejidades. En marzo de 1995, el rapero había cumplido un mes de prisión por cargos de abuso sexual y había utilizado su año anterior de libertad para grabar posiblemente el LP más conmovedor de su vida.

En la canción principal, Shakur examinó las comunidades negras empobrecidas y los pensamientos morbosos sobre la mortalidad. Una muestra de "That Girl" de Stevie Wonder texturiza "So Many Tears", donde 2Pac vocaliza los problemas de la industria musical, su depresión e incluso predice una muerte prematura. "Dear Mama" (que inspiró la serie documental FX del mismo nombre), fue la dedicatoria de 2Pac a la madre y ex miembro del Partido Pantera Negra, Afeni Shakur; se convirtió en la tercera canción de un acto de rap que se coloca en la Biblioteca del Congreso.

Esta última canción y Me Against the World le darían a Shakur sus primeras nominaciones al GRAMMY. Si bien no ganó, ambas son obras maestras que marcaron la mayoría de edad del rapero.

Jay-Z ofreció una sólida oferta lírica en su debut de 1996. Un álbum histórico de la ahora desaparecida Roc-A-Fella Records, Reasonable Doubt, de 14 pistas, trajo al ring el rap mafioso y de lujo, mientras Jay-Z contaba historias semiautobiográficas de la vida callejera.

En "Feelin' It", el rapero de Brooklyn se jacta de su riqueza y su opulento estilo de vida, mientras que "Can I Live", con un sampleo de Issac Hayes, explora los momentos difíciles que trae el ajetreo. El flujo consciente de Hov destacó la producción de artistas como Ski Beatz, DJ Premier y Clark Kent.

Reasonable Doubt predijo sin lugar a dudas el próspero futuro de Jay-Z, ya que desde entonces tomó el trono del hip-hop como un codiciado artista ganador de 24 premios GRAMMY (además de 88 nominaciones).

Lil' Kim, de Brooklyn, se hizo un espacio para el rap atrevido en su exitoso disco solista Hard Core de 1996. Menos de seis meses después del asesinato de su mentor, Notorious BIG, la ex miembro de Junior MAFIA logró un éxito comercial en solitario por su lirismo y apariencia provocativa. Mientras que muchos de sus contemporáneos adoptaron un estilo más andrógino, Lil' Kim destacó su atractivo sexual en el escenario y en discos.

La obscena "Big Momma Thang", que muestra el corte profundo de Sylvester de 1978 "Was It Something That I Said", muestra la alianza de Lil Kim con los oyentes queer. Lil' Kim afirmó su dominio en "No Time", mientras hacía alarde de su afecto por estar elegantemente "envuelta en diamantes y perlas". Aunque Hard Core fue moderadamente recibido, los sucesores del rap de Lil' Kim, Doja Cat, Megan Thee Stallion y Cardi B, más tarde hablarían muy bien del magnetismo NSFW de Queen Bee. Casi 30 años después, las mujeres contemporáneas del hip-hop continúan luchando por la influencia sin complejos de Lil' Kim.

El hip-hop no había visto volar hasta que Missy "Misdemeanor" Elliott entró en escena. El rapero y cantante y compositor nacido en Virginia formó parte del grupo de R&B Sista antes de asociarse con el productor Timbaland. Los dos escribieron y produjeron casi la totalidad del álbum de 1996 de Aaliyah, One In A Million. A finales de los 90, la pluma de Elliott estaba en demanda, lo que le dio la confianza para compartir su sonido y apariencia poco convencionales como solista.

Su debut en 1997, Supa Dupa Fly, redefinió lo que significaba ser una mujer en el rap. Durante la producción de bajos de Timbaland, Elliott se volvió completamente futurista. Ella bromeó con humor sobre su sexualidad en el audaz "Sock It 2 ​​Me", mientras que el animado "The Rain (Supa Dupa Fly)" sampleó a la vocalista de soul de Memphis, Ann Peebles, con letras peculiares como "mis dedos se mueven estos días, caen como Humpty".

Dos décadas antes de ser incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll y recibir el premio de Honores de la Academia de Grabación del Black Music Collective, Elliott arrasó en el mundo del rap. Adelantados a su tiempo aún anunciados, Supa Dupa Fly y el estilo único de Elliott mostraron a los compañeros y sucesores del artista cómo ser anomalías creativas.

El Sur tuvo algo que decir sobre el tercer álbum de Outkast, Aquemini. El dúo de André 3000 y Big Boi afirmó su encanto sureño y sus inmaculados esquemas de rima en el álbum de 16 pistas que los catapultó al estrellato. Mientras los dos raperos perfeccionaban su individualismo, Aquemini también mostró a 3000 y Big Boi combinando perfectamente sus estilos.

Más espacial que su segundo álbum ATLiens, Outkast duplicó su acento hogareño en el funky (pero controvertido) "Rosa Parks". Los dos cuestionaron la realidad a partir de la tecnología distópica en el surrealista "Synthesizer" con la leyenda del P-Funk George Clinton. Los oyentes pueden visualizar una escena conjunta de juke en "SpottieOttieDopaliscious", con tintes de reggae, donde 3000 y Big Boi entrelazan historias de un encuentro violento en un club nocturno y un romance maldito.

Aquemini marcó el comienzo de un giro en el hip-hop de Dirty South, donde la región ganó el respeto nacional por su narración, realismo y flujo único.

El súper productor y rapero Dr. Dre sacó a relucir todas las estrellas en su segundo álbum solista de 1999, 2001. El LP reunió al ahora siete veces ganador del GRAMMY con sus prodigios Snoop Dogg, Eminem, Xzibit, Nate Dogg y Kurupt, mientras marcaba el comienzo de una nueva era del rap de la costa oeste. Siete años después de su innovador álbum debut The Chronic, el ex miembro de NWA fue "Still DRE"

En el tema antes mencionado, escrito íntegramente por Jay-Z, Dr. Dre mostró su impacto de casi 15 años en el hip-hop. "The Watcher" detalló que el nativo de Compton llegó a un estancamiento en la industria musical a pesar de la paranoia de "una nueva era de gangstas". El himno del club de striptease "The Next Episodio" se remonta a "Nuthin' But A 'G' Thang" de Dre y Snoop, mientras que "Let's Get High" capturó una fiesta casera obscena. En 2001, ahora certificado 6x platino, Dr. Dre estaba en su momento más despreocupado mientras ponía el listón alto para una nueva generación de hip-hop.

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Foto: Colección Silver Screen/Getty Images

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El ícono estadounidense Harry Belafonte falleció el 25 de abril a los 96 años. A lo largo de su legendaria carrera musical y actoral, Belafonte rompió barreras y demostró un compromiso encomiable con la igualdad.

Un ícono estadounidense cuya enorme influencia abarcó generaciones y abrió caminos, la muerte de Harry Belafonte a la edad de 96 años marca el final de una vida y carrera legendarias que brillaron no solo en la música, sino también en los temas sociales y la cultura en general.

Belafonte, dos veces ganador del GRAMMY y 11 veces nominado en su carrera, el impacto de Belafonte en la Academia de la Grabación ha durado tanto como la propia organización. El artista obtuvo una nominación a los primeros premios GRAMMY en 1959 como Mejor Interpretación de Rhythm & Blues (por su álbum Belafonte Sings the Blues). Tres años más tarde ganaría el premio a la Mejor Interpretación Folklórica por "Swing Dat Hammer". Su otra victoria llegó en forma de un GRAMMY a la mejor grabación folklórica por An Evening With Belafonte/Makeba. Recibió un premio Lifetime Achievement Award en 2000 y tres de sus grabaciones están en el Salón de la Fama de los GRAMMY.

"Harry Belafonte ha tenido un impacto inconmensurable en la comunidad musical, nuestro país y nuestro mundo", dice Harvey Mason jr., director ejecutivo de la Recording Academy. "A través de su música y su activismo en el movimiento de derechos civiles, Belafonte ha usado su voz para romper las barreras raciales en Estados Unidos desde los años 50. Ha sido un honor celebrar su influencia en nuestra sociedad a lo largo de su impactante carrera".

A lo largo de casi un siglo de vida, Belafonte dejó un impacto significativo que ha resonado en el público común y hasta en los niveles más altos de las artes y la política. A medida que la noticia de su fallecimiento se difundió por todo el mundo, aparecieron recuerdos, elogios y agradecimientos en las redes sociales.

Quincy Jones, una de las muchas luminarias que celebran hoy el legado de Belafonte, recordó: "Desde nuestra época, luchando por triunfar en Nueva York en los años 50 con nuestro hermano Sidney Poitier, hasta nuestro trabajo en 'We Are The World' y todo en el medio, fuiste el abanderado de lo que significaba ser artista y activista".

"Él me inspiró mucho personalmente", dijo John Legend, recordando el inmenso impacto de Belafonte. "Aprendí básicamente a sus pies todo el gran trabajo que ha realizado a lo largo de los años, y si piensas en lo que significa ser un artista y un activista, él fue literalmente el epítome de lo que era". El ex presidente Barack Obama calificó a Belafonte como una "leyenda que rompió barreras" que transformó "las artes y al mismo tiempo defendió los derechos civiles. Y lo hizo todo con su sonrisa y estilo característicos".

Un artista pionero que nunca se limitó a seguir la línea

En una entrevista de 1998 para "American Masters" para PBS, Belafonte reflexionó sobre su vida y su legado y señaló: "De una forma u otra, la esencia de la vida es, de hecho, el viaje mismo".

Si ese es el caso, el trascendental camino de Belafonte desde su humilde juventud en Harlem, Nueva York, hasta convertirse en un exitoso acto de club, estrella cantante y defensor de la igualdad equivale a un ascenso asombroso que ningún otro artista negro había experimentado antes. Su voz aterciopelada y su afición por cantar canciones típicas junto con un estilo relajado le granjearon el cariño de su público inicial de la década de los 50.

Sin embargo, Belafonte no fue un simple acto de fácil escucha de una sola nota; Ayudó a popularizar el calipso, fue esencial para llevar la música folklórica al público general y también grabó con éxito blues e incluso canciones novedosas. A veces su música era rimbombante ("Jump in the Line (Shake, Señora)"), mientras que en otras ocasiones hábilmente discreta ("A Hole in the Bucket"). El primer éxito "Matilda" comienza con Belafonte silbando alegremente. "¡Oye! Ma-Til-Da", canta fríamente.

Influenciado por su actuación en un club nocturno, el álbum Calypso de Belafonte de 1956 fue el primer LP en vender un millón de copias, un logro sorprendente para un género que no se había escuchado mucho antes. (Como resultado, la Biblioteca del Congreso lo agregó más tarde al Registro Nacional de Grabaciones de obras estadounidenses significativas). Calypso fue comercializado como "no simplemente otra presentación de canciones isleñas", y sus notas pueden leerse como un reflejo de la frecuente El complejo papel que la raza y la fama jugaron en la vida de Belafonte.

Las "canciones de Calypso [están] variando en estados de ánimo desde la alegría estridente hasta la tristeza nostálgica, desde el amor tierno hasta la grandeza heroica", decían sus notas en ese momento, ayudando a vender un género fresco a una nueva audiencia. "Y en todo ello corren los ritmos incontenibles de un pueblo que no ha perdido la capacidad de reírse de sí mismo".

A lo largo de su carrera, Belafonte navegó hábilmente en la línea entre los éxitos convencionales y las canciones con un significado más profundo. Cuando llegó el momento de grabar "The Banana Boat Song", la melodía de fiesta instantáneamente reconocible de Calypso, que se originó como una canción tradicional jamaicana, Belafonte le dijo a "American Masters" que la canción fue una "elección consciente". Cantando su memorable "Day-o!" El estribillo era "hermoso, poderoso" y "una canción de trabajo clásica que hablaba de las luchas de las personas mal pagadas y de las víctimas del colonialismo. En la canción, hablaba de nuestras aspiraciones de una mejor forma de vida".

Aparte de su carrera como cantante, Belafonte también dominó Broadway. En 1954, ganó un premio Tony por su papel en "John Murray Anderson's Almanac", una revista musical. También incursionó en el cine, desde su debut en 1953 hasta la película BlacKkKlansman de Spike Lee de 2018.

Se mantuvo humilde, si no ligeramente casual, respecto de su éxito. "No tuve ningún problema en ser arrojado al mundo del estrellato porque nunca pensé en ello", dijo Belafonte a ABC News en 1981. "En ningún lugar de mis sueños de infancia pensaba que algún día estaría en Hollywood, algún día estar en Broadway, algún día estaría haciendo un álbum que fuera exitoso. Estaba bastante contento, como lo estaban la mayoría de los negros en ese período, de practicar mi forma de arte y, con suerte, encontrar un electorado en algún lugar del mundo porque el sueño más amplio eludía a todos. a nosotros."

Una vida de activismo

A medida que su fama crecía, la inclinación de Belafonte por el activismo chocó con un Estados Unidos en rápido cambio que enfrentaba la opresión de los años 50 y reaccionaba a las turbulencias de los años 60. Como resultado, el impresionante legado musical de Belafonte siempre estará entrelazado con su pasión por el activismo.

Belafonte se codeó con los titanes de su tiempo: asistió a la gala inaugural de John F. Kennedy (una invitación extendida por Frank Sinatra), se inspiró en el artista y activista Paul Robeson, se convirtió en un rostro del movimiento de derechos civiles junto a su amigo cercano, el Dr. Martin Luther King hijo.

De hecho, fue el Dr. King quien inició la reunión con Belafonte. "Venía a Nueva York para hablar ante la comunidad religiosa, la comunidad ecuménica de la Iglesia Bautista Abisinia", recordó Belafonte a "PBS Newshour" en 2018 sobre su primer encuentro. "Como joven artista negro en ascenso [en ese momento], comencé a hacer un poco de ruido en mis propios términos. Comencé a violar los códigos de separación racial. Entendí los males del racismo y me rebelé desde mi juventud. Él tenía 24 años. Yo tenía 26".

Esa confabulación inició una amistad que ayudaría a dar forma al movimiento de derechos civiles en general. Belafonte participó en los Freedom Rides y la Marcha en Washington, e incluso presentó "The Tonight Show" durante una semana en 1968, donde el Dr. King fue uno de sus invitados. El cantante tomó el asesinato de King como una exhortación y se comprometió plenamente con la búsqueda de la equidad; Siguió siendo un activista apasionado durante décadas.

Musicalmente, esa pasión incluía el deseo de ayudar a la difícil situación de la gente en África asolada por la guerra; su idea de un sencillo benéfico resultó en "We Are the World". El éxito arrasó en los GRAMMY en 1986, ganando el premio a Grabación del año, Canción del año, Mejor interpretación pop de un dúo o grupo con voz y Mejor vídeo musical en formato corto. En los últimos años fundó la organización de justicia social Sankofa, publicó el libro My Song: A Memoir y fue el tema del documental Sing Your Song. El año pasado fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

"(Fue un) brillante ejemplo de cómo utilizar su plataforma para lograr cambios en el mundo", dijo Questlove en Instagram. "Si hay una lección que podemos aprender de él es: '¿Qué puedo hacer para ayudar a la humanidad?'"

Añadió: "¡Gracias Harry Belafonte!"

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Foto de : Rachel Kupfer

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James Brown cambió el sonido de la música popular cuando encontró el poder de la única y desató el funk con "Papa's Got a Brand New Bag". Hoy en día, el funk sigue vivo en muchas formas, incluidas estas emocionantes bandas de todo el mundo.

Es raro que un género pueda rastrearse hasta un solo artista o grupo, pero para el funk, ese fue James Brown. El Padrino del Soul acuñó la frase y el estilo de interpretación conocido como "on the one", donde se enfatiza el primer tiempo fuerte, en lugar del segundo y cuarto tiempos típicos del pop, el soul y otros estilos. Como explica elocuentemente David Cheal, tocar en un "espacio dejado para frases y riffs, a menudo sincopados alrededor del ritmo, creando una cuadrícula intrincada y entrelazada que podría seguir y seguir". Reconoces una línea de bajo funky cuando la escuchas; sus gruesos acordes ruegan a tu cuerpo que se levante y se mueva.

El clásico de Brown de 1965, "Papa's Got a Brand New Bag", se convirtió en uno de los primeros éxitos del funk y ha sido muestreado y versionado sin cesar a lo largo de los años, junto con sus otros temas maravillosos. Por supuesto, muchos otros actos de funk siguieron en los años 60, y el género prosperó en los años 70 y 80 a medida que la moda disco iba y venía, y los creadores del hip-hop y la música house crearon nueva música a partir del fuerte funk y disco. Huesos flexibles construidos para bailar.

El legendario bajista de funk Bootsy Collins aprendió el poder del one tocando en la banda de Brown y se lo llevó a George Clinton, quien creó P-funk, una exploración expansiva, afrofuturista y psicodélica del funk con sus diversas bandas y proyectos, incluido Parliament-Funkadelic. . Tanto Collins como Clinton permanecen activos y divertidos, y han ofrecido sus ritmos atemporales en colaboraciones con artistas más jóvenes, incluidos Kali Uchis, Silk Sonic y Omar Apollo; y Kendrick Lamar, Flying Lotus y Thundercat, respectivamente.

En la década de 1980, el electro-funk nació cuando artistas como Afrika Bambaataa, Man Parrish y Egypt Lover comenzaron a crear ritmos futuristas con la caja de ritmos Roland TR-808, a menudo con voces robóticas distorsionadas a través de una caja de conversación. Un factor distintivo clave del electro-funk es la falta de énfasis en las voces, con más frases que estribillos y versos. El sonido influyó en el hip-hop, el funk y la electrónica contemporáneos, junto con artistas de todo el mundo, mientras que artistas actuales como Chromeo, DJ Stingray e incluso el propio Egypt Lover mantienen vivo y coleando el electro-funk.

Hoy en día, el funk vive en muchos lugares, con sus bajos pesados ​​y ritmos sincopados encontrando camino en muchos rincones de la música. Hay nu-disco y boogie funk, guiños a bandas disco con voces altísimas e instrumentación diseñada para la pista de baile. El G-funk continúa influyendo en el hip-hop de Los Ángeles, con artistas innovadores como Dam-Funk y Channel Tres que llevan el funk y el G-funk al territorio electro. El resurgimiento del funk y la música disco de los años 70 definitivamente está teniendo un momento, con actos como Ghost Funk Orchestra y Parcels, mientras que sus toques brillantes se pueden escuchar en el pop de Dua Lipa, Doja Cat y, en pleno personaje de "Soul Train", Silk. Sonic. También hay artistas que hacen música atmosférica y de ensueño con una sólida dosis de funk, como el collage sonoro global de Khruangbin.

Hay muchas bandas que tocan mucho el funk, creando ritmos exuberantes diseñados para hacerte mover. Continúe leyendo para conocer una muestra de cinco artistas actuales de funk moderno y nu-disco que crean funk uptempo dirigido por bandas y diseñado para la pista de baile. Asegúrate de presionar reproducir en la lista de reproducción de Spotify anterior y revisa la lista de reproducción de GRAMMY.com en Apple Music, Amazon Music y Pandora.

Acertadamente autodescrito como "alma discodélica", el siete piezas con sede en Brooklyn, Say She She, hace un funk operístico de ensueño, dirigido por los cantautores Nya Gazelle Brown, Piya Malik y Sabrina Mileo Cunningham. Sus armonías vocales inspiradas en grupos de chicas de los 70 resuenan, calman y encantan mientras cubren temas conmovedores con estilo feminista.

Si bien han estado activos en la escena de Nueva York durante algunos años, han obtenido un mayor reconocimiento por la música irresistible que comenzaron a lanzar este año, incluido su álbum debut, Prism. Su sencillo debut de 2022, "Forget Me Not", es una oda al innovador colectivo artístico neoyorquino Guerilla Girls, y "Norma" es su himno de protesta en respuesta a la noticia de que Roe vs. Wade podría ser (y fue) anulado. El nombre de la banda es un guiño a la leyenda del funk Nile Rodgers, de la exclamación "Le freak, c'est chi" en la legendaria melodía de Chic "Le Freak".

La voz única de Moniquea rezuma confianza, pero te invita a bailar con ella al ritmo del boogie súper funky. El artista de Pasadena, California, se crió con la música funk; su madre estaba en una banda de covers que tocaba clásicos como "Get It Right" de Aretha Franklin y "Love Overboard" de Gladys Knight. Moniquea lanzó su primer tema de boogie funk a los 20 años y, en 2011, conoció al productor local XL Middelton, un auténtico proveedor de funk. Ha sido una artista estrella en su MoFunk Records desde entonces, y han colaborado en innumerables temas, canalizando la energía de la costa oeste con una fuerte dosis de G-funk, letras alegres y ritmos alegres y listos para la música disco.

Su último lanzamiento es un guiño optimista al funk clásico de la costa oeste, producido por Middleton, y sigue a su álbum maravilloso y lleno de colaboraciones de febrero de 2022, On Repeat.

Shiro Schwarz es un dúo con sede en la Ciudad de México, formado por Pammela Rojas y Rafael Marfil, quienes ayudaron a establecer una escena funk moderna en la metrópolis mexicana ricamente creativa. En "Electrify", lanzado originalmente en 2016 en Fat Beats Records y reeditado en 2021 por MoFunk, las voces de Shiro Schwarz contrastan juguetonamente entre sí, flotando sobre una línea de bajo insistente y optimista y un ritmo electro-funk retro de los 80 con florituras de sintetizador.

Su música logra ser a la vez nostálgica y futurista, y es imposible quedarse quieto. El sencillo de 2021, "Be Kind", es un funk lounge dulce, suave y maravilloso, perfecto y elegante. El último tema de Shiro Schwarz, el alegremente nostálgico "Hey DJ", es una colaboración con la funkstress Saucy Lady y U-Key.

L'Impératrice (la emperatriz en francés) es un grupo parisino de seis integrantes que ofrece una mezcla contagiosamente alegre de pop francés, nu-disco, funk y psicodelia. La voz de Flore Benguigui es ligera y soñadora, pero llama la atención, mientras que las letras tienen un toque feminista.

Durante sus enérgicos sets en vivo, los miembros de L'Impératrice Charles de Boisseguin y Hagni Gwon (teclados), David Gaugué (bajo), Achille Trocellier (guitarra) y Tom Daveau (batería) ofrecen sesiones improvisadas instrumentales extendidas para expandir y conectar su música. Gaugué enfatiza el bajo denso y funky, y Benguigui salta por el escenario mientras suena como un ángel. El último álbum de L'Impératrice, Tako Tsubo de 2021, es un viaje alegre y divertido a la discoteca francesa.

La biografía de Franc Moody describe acertadamente su música como "un sonido soul funk y disco cósmico". El grupo londinense nació de la mano de los amigos Ned Franc y Jon Moody a principios de la década de 2010, cuando vivían juntos y organizaban fiestas en los almacenes del norte de Londres. En 2017, el grupo creció a seis miembros, incluida la cantante y multiinstrumentista Amber-Simone.

Su música se siente como en casa con la de otras bandas de electro-pop como los londinenses Jungle y el grupo australiano Parcels. Si bien gran parte es optimista y eufórico, Franc Moody también se sumerge en el reino más relajado y soñador, como la vibrante y sensual canción principal de su recientemente lanzado Into the Ether.

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Foto: Steven Sebring

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"Un pie en el pasado y un pie en el futuro", dice Billy Idol, describiendo su carrera de una década en el rock. "Tenemos el mejor de todos los mundos posibles porque ese ha sido el modus operandi de Billy Idol".

Living Legends es una serie que destaca íconos de la música que aún se mantienen fuertes en la actualidad. Esta semana, GRAMMY.com habló con Billy Idol sobre su último EP, Cage, y sobre cómo seguir rockeando a través de décadas de gustos cambiantes.

Billy Idol es un verdadero sobreviviente del rock 'n' roll que ha perseverado a través de cambios culturales y luchas personales. Si bien algunos pueden pensar en Idol únicamente por "Rebel Yell" y "White Wedding", las influencias musicales del cantante abarcan géneros y muchas de sus melodías son menos dinámicas de lo que desmentirían sus éxitos de los 80.

Idol causó sensación por primera vez en la segunda mitad de los años 70 con la banda británica de punk Generation X. En los años 80, siguió una carrera en solitario combinando rock, pop y punk en un sonido distintivo que lo transformó a él y a su música. socio, el guitarrista Steve Stevens, en íconos. Han acumulado múltiples nominaciones al GRAMMY, además de un álbum de oro, un doble platino y cuatro de platino gracias a éxitos como "Cradle Of Love", "Flesh For Fantasy" y "Eyes Without A Face".

Pero, a diferencia de muchos artistas heredados, Idol es todo menos una reliquia. Billy continúa produciendo música vital de Idol colaborando con productores y compositores, incluida Miley Cyrus, que comparten su visión de futuro. En noviembre actuará en una residencia de cinco funciones en Las Vegas y el cineasta Jonas Akerlund está trabajando en un documental sobre la vida de Idol.

Su último lanzamiento es Cage, el segundo de una trilogía de EP anuales de cuatro canciones. La canción principal es un clásico de Billy Idol que expresa el deseo de liberarse de las limitaciones personales y vivir una vida mejor. Otras pistas de Cage incorporan riffs metálicos y ritmos funky de R&B.

Idol continúa lidiando con sus demonios (ambos lucharon contra la adicción durante los años 80) y el cantante es abierto sobre esas luchas en el disco y en la página. (Las memorias de Idol de 2014, Dancing With Myself, detallan un accidente de motocicleta en 1990 que casi le cobra una pierna, y cómo convertirse en padre lo llevó a rechazar las drogas duras. "Bitter Taste", de su último EP, The Roadside, reflexiona sobre cómo sobrevivir al accidente. )

Aunque Idol y Stevens se separaron a finales de los años 80 (el hábil guitarrista encabezó a Steve Stevens & The Atomic Playboys y colaboró ​​con Michael Jackson, Rick Ocasek, Vince Neil y Harold Faltermeyer (en el "Top Gun Anthem", ganador del GRAMMY)), su historia común y vínculo musical compartido ha sido innegable. El dúo se reunió en 2001 para un episodio de "VH1 Storytellers" y han vuelto a la carga durante dos décadas. Su unión sigue siendo una de las colaboraciones más fuertes en la historia del rock 'n roll.

Si bien hay personal reconocible y un sonido distinguible en gran parte de su trabajo, Billy Idol siempre se ha esforzado por probar cosas diferentes. Idol habla sobre su viaje musical, su deseo de seguir adelante constantemente y la fuerte conexión que comparte con Stevens.

Steve ha dicho que te gusta mezclar una variedad de estilos, pero todos asumen que eres el tipo "Rebel Yell"/"White Wedding". Pero si realmente escuchan tu catálogo, es muy diferente.

Sí es cierto. Con alguien como Steve Stevens, y luego en el pasado Keith Forsey produciendo... [Antes de eso] la Generación X en realidad se movía dentro del punk rock. No nos quedamos haciendo sólo la música de dos minutos de los Ramones. De hecho, hicimos una canción de siete minutos. [Risas]. Siempre mezclamos las cosas.

Luego, cuando comencé mi carrera en solitario, eso fue lo divertido. Con alguien como Steve, sabía lo que podía hacer. Pude ver que cualquier cosa que tuviéramos que hacer, podríamos lograrlo. El mundo era mi ostra musicalmente.

"Cage" es un rockero de Billy Idol con un sonido clásico, luego "Running From The Ghost" es casi metal, como era el álbum Devil's Playground a mediados de la década de 2000. "Miss Nobody" surge de la nada con este sabor pop/R&B. ¿Qué inspiró eso?

Realmente no habíamos hecho nada parecido desde algo como "Flesh For Fantasy" [que] tenía un poco de R&B. En los primeros días de Billy Idol, "Hot In The City" y "Mony Mony" tenían chicas [cantando] de fondo.

Siempre tuvimos un poco de R&B, así que fue divertido volver a visitarlo. Simplemente no habíamos hecho algo así en mucho tiempo. Esa fue una de las razones para trabajar con alguien como Sam Hollander [para la canción "Rita Hayworth"] en The Roadside. Sabíamos que podíamos ir [con él] al mundo del R&B, y es un gran compositor y productor. Eso es realmente lo divertido de la música, probar estas cosas y ver si puedes hacer que se mantengan.

Escucho música nueva de artistas veteranos y lo debato con algunas personas. Estoy seguro de que tienes fans que quieren su nostalgia, y luego hay algunas personas que aceptarán las cosas más nuevas. ¿Consideras que es un desafío llegar a la gente con nuevas canciones?

Obviamente, lo que estamos buscando es ¿cómo podemos de alguna manera tener un pie en el pasado y otro en el futuro? Tenemos el mejor de todos los mundos posibles porque ese ha sido el modus operandi de Billy Idol.

Quieres hacer cosas que sean fieles a ti y no solo quieres intentar hacer cosas que estás viendo en los gráficos de hoy. Creo que lo estamos logrando con cosas como "Running From The Ghost" y "Cage" en este nuevo EP. Creo que estamos logrando hacer ambas cosas de alguna manera.

Obviamente, "Running From The Ghost" trata sobre la adicción, todas las cosas por las que pasaste, y en "Cage" estás hablando de liberarte de muchas ataduras personales. ¿Hubo algún momento en tu vida que te hizo pensar realmente que no debía dejar que esto me agobiara más?

Quiero decir, cosas como el accidente de motocicleta que tuve, fueron una especie de llamada de atención hace mucho tiempo. Fue hace 32 años. Pero hubo cosas así, hace años, que poco a poco me hicieron pensar en lo que estaba haciendo con mi vida. Realmente no quería arruinarlo. No quería tirarlo a la basura y eso me hizo ser menos arrogante.

Tuve que decirme a mí mismo, sobre las drogas y esas cosas, que estuve allí y lo hice. No tiene sentido seguir haciéndolo. No se podía llegar más alto. No querías desperdiciar tu vida casualmente y yo estuve a punto de hacerlo. Me tomó un poco de tiempo, pero luego, gradualmente, pude controlarme hasta cierto punto [con] drogas y todo. Y creo que Steve ha hecho lo mismo. Realmente estamos en un camino similar, lo cual ha sido genial porque estamos en el mismo barco en términos de letras y esas cosas.

Así que muchas cosas así fueron llamadas de atención. Incluso tener nietos y simplemente ver a mi hija ampliar su familia y todo; simplemente te hace ser realmente positivo acerca de las cosas y querer mostrar un lado positivo de cómo te sientes y de hacia dónde te diriges. Hemos vivido con los demonios tanto tiempo que hemos encontrado una manera de vivir con ellos. Encontramos una manera de estar en paz con nuestros demonios, en cierto modo. Quizás no del todo, pero ciertamente hasta que disfrutemos lo que hacemos y nos entusiasme.

[Al escribir] "Running From The Ghost" fue fácil, ¿qué era el fantasma para nosotros? En un momento, éramos muy adictos a las drogas en los años 80. Y Steve en particular está súper sobrio [ahora]. Quiero decir, todavía vapeo marihuana y esas cosas. No sé cómo lo está haciendo, pero es increíble. Lo único que quiero poder hacer es tomar un par de copas de vino en un restaurante o algo así. Puedo hacer eso ahora.

Creo que trabajar con personas súper talentosas te hace sentir seguro. Esa es una gran razón por la que te abres y te expresas más porque te sientes cómodo con lo que te rodea.

¿Viste la reciente miniserie Sex Pistols de Danny Boyle?

Lo hice, sí.

Tuviste un par de cameos; Bueno, un actor que te interpretó lo hizo. ¿Cómo reaccionaste? ¿Qué tan preciso crees que fue al retratar ese período de tiempo en particular?

Me encanta el libro de Jonesy, pensé que su libro era increíble. Probablemente sea uno de los mejores libros de biografía. Fue increíble y muy abierto. Tenía muchas ganas de eso.

Era como si [el programa] se quedara con Steve [las memorias de Jones] aproximadamente a la mitad y luego se alejara. [John] Lydon, por ejemplo, nunca fue alguien a quien vi actuando mal; Él es más así hoy. Nunca lo vi hacer algo como saltar en la habitación y correr volviéndose loco. La única vez que lo vi hacer eso fue cuando firmaron el contrato de grabación con Virgin frente al Palacio de Buckingham. Mientras que Sid Vicious siempre se portaba mal; siempre estaba haciendo algo de una manera horrible o gritándole a alguien. No recuerdo que John fuera así. Lo recuerdo siendo mucho más introvertido.

Pero luego vi entrevistas con algunos de los actores sobre cómo entender los papeles que estaban interpretando. Y decían: sabíamos que el punk rock existía, pero simplemente no conocíamos ninguno de los detalles. Así que pensé bueno, ahí lo tienes. Si ["Pistol"] está informando a mucha gente que no sabe nada sobre punk rock, tal vez eso sea lo bueno.

Quizás más adelante John Lydon tenga la oportunidad de hacer la versión de John de la historia de los Pistols. Tal vez alguien profundice mucho más en ello y no sea tan superficial. Pero tal vez necesitabas esto solo para que la gente volviera a la corriente.

Teníamos punk y metal aquí en Estados Unidos, pero parece que Inglaterra era legítimamente más peligrosa. La sociedad británica era mucho más rígida.

Nunca fue tan mega en Estados Unidos. Se hizo grande en Inglaterra. Explotó cuando los Pistols hicieron esa entrevista con [el presentador de televisión Bill] Grundy, ese camionero metió su bota en su propio televisor, y todos los periódicos nacionales publicaron "la inmundicia y la furia" [titulares].

Pasamos de ser desconocidos a ser conocidos de la noche a la mañana. Esperamos un año, Generación X. Incluso les dijimos [a las discográficas] que no durante nueve meses a un año. Cada compañía discográfica quería su propio grupo de punk rock. Así que se volvió realmente mega en Inglaterra y afectó a todo el país: el estilo, las modas, todo. Quiero decir, los Ramones eran enormes en Inglaterra. Devo tuvo una canción número uno [en Inglaterra] con "Satisfaction" en el 77. En realidad, Devo era tan grande o más que los Pistols.

Estabas por delante del pop-punk que ocurrió a finales de los 90, y mucho de eso se volvió irónico para entonces. No tenía el mismo sentido de rebelión que el movimiento original. Era más pop.

Se había convertido en un estilo. Había un libro famoso en Inglaterra llamado Revolt Into Style, y eso es lo que había sucedido, una revuelta que se convirtió en estilo que luego pudieron duplicar a su manera. Incluso recientemente, Billie Joe [Armstrong] hizo su propia versión de "Gimme Some Truth", la canción de Lennon que versionamos allá por 1977.

Cuando inicialmente estábamos haciendo música [punk], aún no había sido aceptada. Seguía siendo peligroso y se convirtió en un estilo al que la gente estaba acostumbrada. Todavía estábamos rompiendo barreras.

Tienes una banda llamada Generation Sex con Steve Jones y Paul Cook. Supongo que ahora les resulta más fácil tocar canciones de Pistols y Gen X juntos y no preocuparse por que les escupan como en los años 70.

Sí, definitivamente. Cuando llegué a Estados Unidos le dije al grupo que estaba formando: "Nadie le escupe al público".

Tuvimos cinco años de escupirnos [en el Reino Unido], y fue repugnante. Y te escupían si les gustabas. Si no les gustaba, destrozaban tu equipo. Una noche, recuerdo que vi sangre en mi camiseta y creo que Joe Strummer contrajo meningitis cuando se le metió saliva en la boca.

Tenías que pasar por muchas cosas para tener éxito, no era como si simplemente subieras allí e hicieras un par de conciertos. No creo que algunas bandas de rock jóvenes entiendan eso hoy en día.

Con el punk volviéndose tan mega en Inglaterra, definitivamente tenemos una ventaja. Todavía teníamos mucho trabajo por delante para llegar a donde llegamos, y con razón porque descubres que tienes que hacerlo. Muchos grupos en los viejos tiempos estaban juntos de tres a cinco años antes de hacer un disco, y ese tiempo es realmente importante. En cierto modo, lo bueno del punk rock para mí fue que fue en gran medida un período de aprendizaje. Realmente aprendí mucho [sobre] grabar música y estar en un grupo e incluso escribir canciones.

Luego, cuando vine a Estados Unidos, fue un flujo, de verdad. También comencé a saber realmente qué quería que fuera Billy Idol. Me tomó un poco de tiempo, pero sabía lo que quería que fuera Billy Idol. E incluso eso tomó un tiempo para dejarlo marinar.

Tú y Miley Cyrus habéis desarrollado una buena relación de trabajo en los últimos años. ¿Cómo crees que te han respondido sus fans y tus fans le han respondido a ella?

Creo que les gusta. Es más bien la compañía discográfica que ella tenía no entendió "Night Crawling"; era una de las mejores canciones de Plastic Hearts, y no creo que lo entendieran. Querían ir con Dua Lipa, querían ir con artistas jóvenes y modernos, y no creo que se dieran cuenta de que esa canción resonaba entre sus fans. Lo cual es realmente una pena porque, con Andrew Watt como productor, es una canción de éxito.

Pero al mismo tiempo disfruté haciéndolo. Salió muy bien y es muy Billy Idol. De hecho, creo que es más Billy Idol que Miley Cyrus. Creo que te muestra dónde estaba Andrew Watt. Estaba emocionado por hacer una canción de Billy Idol. Es divertido trabajar con ella. Ella es una gran persona y trabaja cantando; la vi ensayar para la actuación del Super Bowl que dio. Ensayó todo el sábado por la mañana, todo el sábado por la tarde y el domingo por la mañana y fue esa tarde. Tengo que admirar su fortaleza. A ella realmente le importa.

Recuerdo cuando fuiste a "Viva La Bam" allá por 2005 y decidiste darle un nuevo techo corredizo al Lamborghini de Bam Margera mediante una sierra eléctrica. ¿Era dueño de ese auto? ¿Fue eso un alquiler?

Creo que era su coche.

¿Lo superó más tarde?

Le encantó. [Risas] Tiene un extraño sentido del humor. Es fantástico, en realidad. Realmente lamento ver por lo que ha estado pasando últimamente. Está pasando por mucho y le deseo lo mejor. Es una persona fantástica y es una pena que esté luchando tanto con sus adicciones. Sé cómo es. No es fácil.

Musicalmente, ¿cómo es la sinergia con ustedes durante los últimos 10 años, haciendo Kings and Queens of the Underground y este nuevo material? ¿Cómo es su relación de trabajo ahora en esta versión más sobria, mayor y madura de ustedes dos en comparación con lo que era en los años 80?

En muchos sentidos no es tan diferente porque siempre escribimos las canciones juntos, siempre hablamos sobre lo que íbamos a hacer juntos. Era sólo que nos estábamos drogando al mismo tiempo. Simplemente no nos estamos drogando [de esa manera ahora] pero estamos haciendo todas las mismas cosas.

Todavía estamos hablando de cosas, todavía [planificando] cosas: ¿Qué vamos a hacer a continuación? ¿Cómo vamos a encontrar gente nueva con quien trabajar? Queremos encontrar nuevos productores. Seamos un poco más oportunos a la hora de publicar cosas. Esa parte de nuestra relación es la misma, ¿sabes a qué me refiero? Eso nunca se vio afectado. Sucedió que estábamos sobrecargados en los años 80.

La relación... ha madurado y sigue siendo fructífera, y creo que eso es bastante sorprendente. Realmente, la mayoría de la gente no llega a este lugar. Por lo general, ya se odian. [Risas] También nos damos espacio unos a otros. No nos impediremos hacer cosas fuera de lo que estamos trabajando juntos. Todo ello nos permite seguir trabajando juntos. Lo amo y admiro. Yo lo respeto. Ha sido fantástico. Quiero decir, estar ahí en el escenario con él siempre es un placer. Y tiene un enorme sentido del humor. Creo que esa es otra razón por la que podemos permanecer juntos después de todo este tiempo porque tenemos el sentido del humor que nos permite seguir adelante.

Hay muchos videos de reacciones de los fanáticos en línea, y noté que a muchas mujeres más jóvenes les gusta "Rebel Yell" porque, a diferencia de muchas otras canciones de rock de machos alfa de los 80, estás hablando de satisfacer a tu amante.

Se trataba de mi novia de entonces, Perri Lister. Se trataba de lo genial que pensaba que era, de lo enamorado que estaba de ella y de lo maravillosas que son las mujeres, lo poderosas que son.

Era una especie de himno feminista de una manera extraña. Se trataba de cómo las relaciones pueden liberarte y aportar mucho a tu vida. Fue un grito de amor, nada que ver con la Guerra Civil ni nada por el estilo. Perri fue una gran parte de mi vida, una gran parte de ser Billy Idol. Quería escribir sobre eso. Me alegro que ese sea el efecto.

¿Hay algo que esperas que la gente obtenga de las canciones que has estado haciendo durante los últimos 10 años? ¿Te encuentras enviando un mensaje que se repite una y otra vez?

Bueno, supongo que, en todo caso, es que puedes llegar a un acuerdo con tu vida, puedes controlarla. Puedes convertir tus sueños en realidad de alguna manera y, mira, un millón de años después, seguir disfrutándolos.

La única razón por la que canto sobre salir de la jaula es porque salí de la jaula hace años. Me uní a la Generación X cuando les dije a mis padres: "Dejaré la universidad y me uniré a un grupo de punk rock". Y ni siquiera sabían qué era un grupo de punk rock. Hace años, escribía cosas para mí que me ponían en este camino, para que tal vez en 2022 pudiera cantar algo como "Cage" y ser dueño de este territorio y realmente pasar un buen rato. Esta es la vida que quería.

El movimiento punk original del Reino Unido desafió las normas sociales. A pesar de toda la locura que está sucediendo en todo el mundo, parece que muchas bandas de rock moderno tienen miedo de hacer lo que ustedes estaban haciendo. ¿Crees que veremos un cambio en eso?

Sí. El arte generalmente reacciona a las cosas, así que creo que eventualmente habrá una reacción masiva a la música pop que se ha apoderado de ella: la música intermedia y luego este tipo de política de derecha. Habrá una reacción masiva, si no la hay ya. No sé de dónde vendrá exactamente. Nunca se sabe quién lo hará.

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